WHAT TO WEAR IN THE METAVERSE

How designer Katie McIntyre challenges patriarchy through virtual fashion

In den letzten Jahren hat die digitale Transformation der Modebranche deutlich an Dynamik gewonnen und Katie McIntyre ist die Anti-Heldin, von der die Designwelt nicht wusste, dass sie sie braucht. Vom TIME Magazine als „eine der weltweit führenden VFX-Künstlerinnen“ ausgezeichnet, hat sich Katie als Modedesignerin einen Namen gemacht und gleichzeitig atemberaubende, futuristische Kunst produziert. Mit dem weltweit ersten „feministischen futuristischen“ Auto sowie einer „Shameless Menstruation und Lactation Couture” hat sich Katie McIntyre zum Ziel gesetzt, das Patriarchat
herauszufordern und binäre Geschlechterrollen durch
Technologie aufzulösen …

Vangardist: Hi Katie, schön, dich zu sehen! Erzähl uns doch erst mal, wie du dich und deine Arbeit beschreiben würdest?

K: Ich bin Künstlerin, Technologist, Director und Designerin. Ich habe meine eigene Philosophie eines „femininen Futurismus“ entwickelt, eine Methode, um die ermächtigte weibliche Stimme in oft sehr patriarchalischen Industrien einzubeziehen. Meine Arbeit ist inspiriert von der feministischen Kunstbewegung sowie von Frauenstimmen der Popkultur. Durch authentisches Zusammenarbeiten mit Frauen wie Nicki Minaj, Latto, Cardi B usw. wurden meine Designsprache und mein Stil weiter beflügelt. Meine Arbeit umfasst alles von Auto- über Mode- und Albumcoverdesign bis hin zu Skulpturen, Ausstellungsdesign und Film. Sie zeichnet das Bild einer Zukunft, in der die Weiblichkeit unter ihrer eigenen Kontrolle steht, Frauen sich in ihrem eigenen Körper sicher fühlen und weltweit als gleichwertige Menschen angesehen werden.

Der Begriff femininer Futurismus, der heute allgemein zur Beschreibung meiner Arbeit verwendet wird, war ein Begriff, den ich im College geprägt habe, als ich die inhärenten patriarchalischen Strukturen entdeckte, die die Entwicklung des Designs beeinflussten. Es gibt unterschwellige Verweise auf die männliche Form, die in Architektur, Typografie und viele andere Formen des Designs integriert wurden. Genauer gesagt ist der Phallizismus ein zentraler Aspekt unserer Welt, der die gegenwärtige Weltordnung repräsentiert. Die yonischen Formen, die ich in Mode, Autos und Accessoires integriere, spiegeln eine neue Ära des matriarchalischen Designs wider.

V: Wie bringst du deine Liebe für die aufstrebenden Technologien mit der Art der Objektivierung in Einklang, die sowohl die Technologie- als auch die Modebranche mit sich bringt?

K: Die Tech- und Modebranche werden weitgehend vom Male Gaze kontrolliert. Es ist schwierig, diesen zu überwinden. Ich denke, die aktuelle Landschaft inspiriert mich dazu, neue Produktarten zu entwickeln, die wirklich empowering sind. Darüber hinaus denke ich, dass meine jüngste VR-Skulptur „Grit-Breaking Through the Glass Ceiling“ ein Beispiel dafür ist, wie man die Werkzeuge der neuen Technologien im Erstellungsprozess nutzen und gleichzeitig eine aktive Haltung zu jenen Themen einnehmen kann, die die Branche derzeit plagen. Die Arbeit ist ein Zelebrieren der Frauen, die sich als Whistleblower gegen Belästigung, Diskriminierung, Übergriffe und Missbrauch innerhalb der Big-Tech-Blase eingesetzt haben. Ich habe diese Arbeit geschaffen, weil diese Frauen in der Branche bewusst gemieden wurden, obwohl sie für etwas Ehrenhaftes gekämpft haben. Die Skulptur erinnert, selbst im 3D-Raum, an die Arbeit wichtiger Personen in der Gesellschaft.

Es ist unerlässlich, ein Stück Technologie zu schaffen, das sich auf den weiblichen Körper bezieht, ohne diesen zu objektivieren. Auch in der Modebranche basiert die Objektivierung oft auf einer Herabsetzung des weiblichen Körpers. „Shameless Couture“, ein Stück, das ich ursprünglich für die queere Musikerin Emeline entworfen habe, nimmt genau deswegen stigmatisierte Aspekte der Weiblichkeit wie Menstruation und das Stillen auf und zeigt sie als schön, powerful und spirituell.

V: Du bist Teil der diesjährigen Metaverse Fashion Week. Welche besonderen Potenziale siehst du in der digitalen Mode?

K: Ich sehe enormes Potenzial für digitale Mode. Ich denke, viele Potenziale werden nicht nur auf der Mode selbst basieren, sondern auch auf dem umgebenden Metaverse, das dazu beiträgt, einzigartige Geschichten über die Menschheit zu erzählen, die die Kultur beeinflussen. Ich glaube auch, dass digitale Mode zu Mixed-Reality-Mode werden wird, in dem Sinne, dass Merkmale digitaler Mode Innovationen in physischer Mode inspirieren werden. Es ist wichtig zu erkennen, dass die digitale Mode eine andere Landschaft als die physische Modewelt ist, da es eine ganze Reihe neuer Gesetzmäßigkeiten gibt, z. B. die Abwesenheit von Einschränkungen, die eine andere Form von Kreativität und technischem Verständnis erfordern.

V: Glaubst du, dass Menschen in Zukunft mehr in digitale Modestücke investieren werden, anstatt Kleiderschränke weiterhin mit Fast Fashion zu füllen?

K: Es wird immer einen Bedarf an physischer Mode geben, das ist keine Frage, aber ich glaube auch, dass die Nutzung von Mixed Reality und Augmented Digital Fashion weiter zunehmen wird, sobald sich der Realismus und die Technologie verbessern. Ich denke auch, dass wir mit zunehmender Verbreitung des Metaversums in unserer Community einen größeren Wunsch haben werden, in aufregende virtuelle Mode zu investieren.

V: Der Male Gaze wird sowohl in der Modeindustrie als auch in der Gesellschaft als die Perspektive angesehen, auf die es ankommt. Glaubst du, dass diese Perspektive auch auf die digitale Mode übertragen wird?

K: Das wurde sie bereits, aber es gibt eine Menge weiblicher Creators im Raum, vielleicht sogar mehr als Männer, also denke ich, dass wir Hoffnung auf eine Zukunft haben, die den weiblichen Blick einschließt. Es ist wichtig, dass Metaverse-Räume es Frauen nicht erschweren, ihre Stimme zu erheben. Leider erlebe ich immer noch, wie Frauen als “bossy” und “entitled” bezeichnet werden, weil sie lediglich wollen, dass ihre Stimmen gehört werden.

V: Du sagst, dass durch die Integration des femininen Futurismus Emotionen unabhängig vom Geschlecht hervorgerufen werden sollen. Gleichzeitig schaffst du es, stigmatisierte Themen der Weiblichkeit wie Menstruation durch digitales Design neu zu positionieren. Welche anderen gesellschaftlichen Stigmatisierungen möchtest du mit deiner Kunstform verändern?

K: Der Bezug von Frauen zur eigenen Sexualität ist mir sehr wichtig. Ich denke, die historische und religiöse Verfolgung von Frauen wegen ihrer Sexualität ist eine Geschichte, die in unserer modernen Zeit angegangen werden muss. Meine jüngste Arbeit in Dubai, „Zenith Women“, thematisiert das Stigma der weiblichen Sexualität, die als etwas Dunkles und Böses angesehen wird, und positioniert sie als etwas Göttliches und Mächtiges neu. Es ist eine revolutionäre Arbeit, da sie als eine der ersten ihrer Art im Golf ausgestellt wurde.